HELLFEST 2026 - Focus sur les groupes

[Mythrandil]

FOCUS

Papa Roach

L'INVASION CHITINEUSE : AUTOPSIE D'UNE SURVIE ROCK'N'ROLL

L'éclosion larvaire : du terrain de foot à la moiteur des garages

C’est sur le terrain de football américain de la Vacaville High School, en Californie, sous un soleil de plomb qui ferait passer la canicule toulousaine pour une douce brise printanière, en 1993, que pour Jacoby Shaddix et Dave Buckner, l’œuf éclot. Pas dans un laboratoire secret, mais dans la banalité affligeante d’une banlieue américaine. Contrairement à la légende qui voudrait que tous les groupes de Nu-Metal soient nés dans une usine désaffectée de Détroit ou un squat de Los Angeles, Papa Roach est le fruit de l'ennui suburbain et de l'échange de mixtapes. Jacoby et Dave se découvrent une passion commune pour Faith No More et Primus, ce qui, avouons-le, change un peu des boy bands qui polluent les ondes à l'époque.

Ils décident de monter un groupe. Parce que pourquoi pas ? C’est toujours mieux que de faire ses devoirs ou de devenir comptable. Ils recrutent Jerry Horton à la guitare (le mec discret qui tricote ses riffs dans son coin) et Will James à la basse (remplacé plus tard par Tobin Esperance, un roadie mineur qui s'est avéré être un prodige de la basse, un peu comme si votre petit frère se révélait être Mozart avec un médiator).

Mais il faut un nom. Un nom qui claque, un nom qui reste, un nom qui résiste à tout, même à une attaque nucléaire ou à une critique acerbe dans un fanzine local. Dave propose "Papa Gato". Sérieusement ? "Papa Gato" ? On dirait le nom d'une pizzeria. Heureusement, Jacoby a une illumination, probablement divine (ou induite par la surconsommation de substances). Il pense à son beau-grand-père, Howard William Roatch, surnommé "Papa Roach".

La réaction du groupe est immédiate et typique d'adolescents obsédés par certaines plantes récréatives : « Tu veux dire "roach" comme dans un mégot de joint ? ». Jacoby, déjà philosophe (ou juste pragmatique), rétorque que le nom évoque surtout la longévité crasseuse et indestructible des cafards. Ces bestioles qui survivent à tout, même à la fin du monde. Et vu la carrière qu'ils vont avoir, la métaphore de l'insecte invincible était, rétrospectivement, d'une justesse effrayante. Ils gardent le nom. L'infestation peut commencer.

Les débuts sont laborieux : on joue dans des garages, on sort des démos avec des titres d'une poésie rare comme Caca Bonita en 1995 (oui, vous avez bien lu, "Caca Bonita", l'élégance incarnée, probablement un hommage à la gastronomie mexicaine). C'est brouillon, c'est brut, mais ça commence à grouiller. Ils enchaînent les EPs : Potatoes for Christmas en 1994 (imaginez Metallica sortir "Carrots for Easter"…), puis Old Friends from Young Years en 1997, leur premier "vrai" album auto-produit avec un budget réduit à presque rien.

Le buzz monte, doucement mais sûrement, comme une rumeur dans une fosse avant un Wall of Death. Warner Bros jette une oreille distraite sur une démo contenant des titres comme Last Resort et Broken Home et... refuse de les signer (Spoiler : le directeur artistique de Warner doit encore s'en mordre les doigts aujourd'hui). C'est finalement DreamWorks Records qui, avec un meilleur flair, détecte le potentiel d'infestation et signe le groupe en 1999. La colonie est prête à envahir le monde, et nos tympans avec.

L'essaim en chiffres : synthèse de la discographie

Avant de plonger la tête la première dans les méandres de leur évolution musicale, posons les bases. Voici l'état des lieux de l'infestation, chiffré, froid et clinique, comme un rapport d'exterminateur dépassé par les événements. Papa Roach c’est :

• 11 albums studios
• 10 EPs
• 1 album Live
• 2 compilations

Avec plus de 20 millions d'albums vendus dans le monde, on peut dire que l'infestation est mondiale. Les cafards sont partout, dans nos radios, dans nos playlists Qobuz, et probablement sous votre lit…

Mues et métamorphoses : biographie au gré de la discographie

La vie d'un groupe de rock est une série de mues. On change de peau, on grandit, on laisse derrière soi une carcasse vide pour en révéler une nouvelle, plus brillante ou plus sombre. Papa Roach ne fait pas exception. Suivons leurs traces de bave (ou de phéromones) à travers les décennies, album par album, car chaque disque est une étape de leur cycle de vie.

L'ère de l'invasion et le pic de virulence : Infest (2000)

C'est l'album de la consécration. Sorti en avril 2000, Infest est une bombe à fragmentation de Nu-Metal lâchée sur une industrie musicale qui ne s'y attendait pas. C'est l'époque où le monde entier découvre Jacoby Shaddix (alors sous le pseudo "Coby Dick", jeu de mots subtil...) avec ses cheveux décolorés, son énergie de pile électrique défectueuse et son regard de psychopathe sous amphétamines.

Le titre phare, Last Resort, devient l'hymne d'une génération d'ados mal dans leur peau, ceux qui se sentent "suffocating, no breathing". Les paroles sont sombres, traitant du suicide et de la dépression, hurlées sur un riff de guitare qui vous rentre dans le crâne comme une foreuse pneumatique. On est entre le rap énervé et le métal qui tache. Le groupe tourne avec des poids lourds comme Korn et Limp Bizkit et franchement, ils n'ont pas à rougir. Sur scène, c'est le chaos, la sueur, et une communion presque religieuse avec un public en transe. L'album devient triple platine. Ils sont au sommet de la chaîne alimentaire du Nu-Metal. La présence du titre Blood Brothers dans la bande originale du jeu Tony Hawk Pro Skater 2 participe également au succès mondial de l'album.

La crise d'adolescence et le premier doute : lovehatetragedy (2002)

Deux ans plus tard, le groupe tente de prouver qu'il n'est pas qu'un vulgaire cancrelat qu'on peut éradiquer d'un coup de journal. Lovehatetragedy sort, et c'est... différent. Moins de rap, plus de chant. Jacoby veut montrer qu'il a de la voix, pas juste du flow et des cris d'animaux blessés. L'album devient disque d'or, ce qui est bien, mais nettement moins bien que le triple platine précédent. C'est le début de la descente ? Pas encore.

On sent que le groupe cherche son identité, coincé entre ses racines Nu-Metal et une envie de rock plus "classique". C'est un peu comme voir un ado essayer de porter le costume de son père : ça flotte un peu aux entournures, mais l'intention est là. Le titre She Loves Me Not cartonne, prouvant que même les cafards ont des cœurs brisés et savent écrire des refrains qui restent en tête comme un chewing-gum sous une semelle. Le son est un peu plus rock, un peu moins hip-hop, une transition nécessaire mais risquée.

Le virage glamour (ou presque) : Getting Away With Murder (2004)

Là, on change de braquet. Fini le rap-métal pur et dur. Papa Roach veut devenir un grand groupe de rock américain, avec des refrains pour les stades et des vestes en cuir. Getting Away with Murder divise les fans de la première heure (les puristes qui pleurent dès qu'il n'y a plus de scratchs et de pantalons larges), mais l'album est un succès platine. Pourquoi ? Grâce à Scars.

Une ballade. Oui, une ballade. Jacoby chante ses blessures, ses erreurs, et ça marche du feu de dieu. C'est l'album de la maturité commerciale. Le look change aussi : on range les baggys, on sort l'eyeliner et les vestes cintrées. C'est le début de la "mue glam" qui culminera plus tard. Certains crient à la trahison, mais le groupe s'en moque et remplit les salles. C'est efficace, c'est carré, c'est américain. On est loin de Caca Bonita, c'est sûr.

Le manoir hanté et la débauche : The Paramour Sessions (2006)

Pour cet album, le groupe décide de faire dans l'originalité (ou le cliché rock, c'est selon) en s'enfermant dans le manoir Paramour pour enregistrer. Ambiance Shining, mais avec plus de guitares et (espérons-le) moins de haches. L'album est solide, rock, avec des titres comme ...To Be Loved qui deviendra le thème de l'émission de catch WWE Raw

C'est énergique, c'est taillé pour les stades et les génériques TV. Mais c'est aussi le début de la fin pour le batteur Dave Buckner, qui lutte contre ses propres démons (et probablement l’abus de substances illicites) et finira par quitter le navire en 2007, remplacé par Tony Palermo. Une patte en moins pour le cafard, mais la repousse est rapide et indolore pour le public.

La métamorphose complète : Metamorphosis (2009)

Le titre est explicite. Le groupe assume son changement de peau. On est dans du Hard Rock radiophonique efficace, poli, brillant. Lifeline et Hollywood Whore sont des tubes qui tournent en boucle. Jacoby chante de mieux en mieux, sa voix a pris de l'épaisseur, du grain. On est loin des aboiements de Infest.

C'est propre, carré, peut-être un peu trop pour certains qui regrettent la crasse des débuts et l'énergie punk. Mais en live, ça envoie toujours le pâté (ou le foie gras, restons dans le Sud-Ouest, on ne se refait pas). Le groupe prouve qu'il peut écrire des hymnes rock classiques sans rougir face à des groupes comme Mötley Crüe (avec qui ils tournent d'ailleurs sur le Crüe Fest).

L'expérimentation hybride : Time For Annihilation (2010)

Un album étrange, mi-live, mi-studio. 5 nouveaux titres et 9 titres live enregistrés pendant la tournée avec Shinedown. C'est un peu comme si le groupe ne savait pas trop quoi sortir et avait décidé de faire un buffet à volonté : un peu de restes de la veille, un peu de plat du jour.

Pourtant, Kick in the Teeth est un tube absolu, une déclaration de résilience : "You can knock me down, but I'll get up again". C'est le leitmotiv du groupe : on les écrase, ils reviennent. Tels des... enfin, vous avez compris la métaphore, je ne vais pas la filer jusqu'à l'indigestion (quoique). C'est un disque de transition, marquant leur départ vers le label indépendant Eleven Seven Music, une prise d'indépendance salutaire.

La connexion numérique et la renaissance : The Connection (2012) & F.E.A.R. (2015)

Avec The Connection, Papa Roach commence à intégrer des éléments électroniques, des claviers, des samples un peu plus modernes. On sent l'influence de la production moderne, ils ne veulent pas rester bloqués dans les années 2000. C'est audacieux, ou désespéré, selon le point de vue.

F.E.A.R. (Face Everything And Rise) continue sur cette lancée. C'est poli, c'est produit, c'est efficace. Jacoby est sobre, en forme, et délivre des messages d'espoir et de combat contre l'addiction. On est passé du "je veux me suicider" de Infest à "je vais me battre et survivre". Une belle thérapie de groupe en public. Le son est massif, presque industriel par moments. Ils prouvent qu'ils ne sont pas des dinosaures, mais des créatures capables d'évolution rapide.

Les dents tordues et l'ego trip : Crooked Teeth (2017) A Ego Trip (2022)

Crooked Teeth marque un retour à un son un peu plus brut, un peu plus "in your face", tout en gardant les mélodies pop. C'est un mélange réussi entre l'ancien et le nouveau. Puis vient Who Do You Trust? (2019) et enfin Ego Trip en 2022.

Ce dernier album est un gloubi-boulga (pardon, un mélange éclectique) de tout ce que le groupe a fait : du rap, du rock, de l'électro, de la pop. C'est un album qui part dans tous les sens, comme un insecte pris de panique sous une lumière vive, mais qui retombe toujours sur ses pattes. Des titres comme Kill The Noise ou Swerve (avec Fever 333 et Sueco) montrent qu'ils savent s'entourer de la jeune garde pour rester pertinents. Ils ne veulent pas être un groupe "nostalgique", ils veulent être actuels. Et force est de constater que ça marche, les streams s'accumulent.

Et maintenant ? L'invasion continue (2025)

Pour 2025, le groupe ne montre aucun signe de fatigue. Une tournée massive avec Rise Against est prévue, sobrement intitulée "Rise of the Roach Tour" (ils assument totalement le délire insectoïde). Jacoby promet de la nouvelle musique pour la fin de l'année, même si l'album complet pourrait attendre 2026. On nous annonce aussi qu'ils fêteront les 25 ans de l'album Infest. 25 ans... ça ne nous rajeunit pas. J'avais 15 ans, je portais des pantalons trop larges et je croyais que le Nu-Metal dominerait le monde pour toujours.

Les mandibules de la bête : line-up et dynamique de groupe

La stabilité dans le rock, c'est rare. C'est souvent une histoire de chaises musicales, d'ego surdimensionnés qui ne passent plus par les portes et de "différences créatives" (traduction polie pour : "on ne peut plus se voir en peinture sans avoir envie de s'étrangler avec une corde de guitare"). Mais chez Papa Roach, le noyau dur est solide comme une carapace de chitine.

• Jacoby Shaddix (Chant) : Le leader charismatique, l'âme torturée devenue coach de vie rock'n'roll. Il est passé par toutes les couleurs de cheveux, toutes les addictions, toutes les rédemptions. Il tient le public dans le creux de sa main, capable de faire pleurer sur une ballade et de déclencher un Wall of Death la seconde d'après. C'est le cœur battant du groupe, celui qui saigne dans le micro pour notre plaisir sadique.
• Jerry Horton (Guitare) : Le pilier silencieux. Il est là depuis 1993, fidèle au poste. C'est lui qui tricote les riffs qui nous font headbanguer depuis 30 ans. Un technicien efficace, pas du genre à faire des solos de 20 minutes pour flatter son ego, mais toujours juste, toujours en place. Il a ce look de "mec normal" qui contraste avec la folie de Jacoby. C'est l'ancre du navire.
• Tobin Esperance (Basse) : Le "jeune" prodige (il a rejoint en 96). C'est souvent lui le compositeur principal, l'architecte sonore caché derrière sa basse. Il a commencé comme roadie pour le groupe avant de prendre la basse quand Will James est parti pour un camp d'église (véridique, et hilarant quand on y pense). Belle promotion interne.
• Tony Palermo (Batterie) : Le "nouveau" (il est là depuis 2007 quand même, ça fait un bail). Il a remplacé Dave Buckner et a apporté une frappe chirurgicale, puissante. Il vient du groupe Unwritten Law et a su s'intégrer parfaitement à la machine de guerre.

On notera aussi la présence fréquente d'Anthony Esperance (le frère de Tobin) sur scène aux claviers et guitares additionnelles, le fameux "cinquième membre" de l'ombre qui étoffe le son en live.

Sous les plinthes : Anecdotes croustillantes et crasseuses

Parce qu'une biographie sans potins, c'est comme un concert sans bière, voici quelques pépites glanées sous les plinthes de l'histoire du rock.

• L'origine glauque du nom : On l'a dit, ça vient du grand-père "Papa Roach". Mais l'histoire est tragique : ce grand-père s'est suicidé en 2006 après un diagnostic de cancer en phase terminale. Le groupe lui rend hommage régulièrement, notamment avec l'album The Paramour Sessions. C'est sombre, c'est touchant, et ça donne une autre dimension à ce nom qu'on associe souvent à tort uniquement à la drogue ("roach" = mégot). C'est un hommage familial, macabre certes, mais sincère.
• Le mythe de la pizza : "Cut my life into pieces, this is my last resort". Ces paroles iconiques de Last Resort sont devenues un mème internet mondial. "Cut my life into pizzas, this is my plastic fork". Il existe des t-shirts, des mèmes, des vidéos parodiques, des points de croix. Jacoby Shaddix le prend avec humour, heureusement. C'est la rançon de la gloire : quand ta souffrance adolescente devient une blague sur Reddit à propos de pepperoni, tu sais que tu as marqué la culture pop au fer rouge.
• Jacoby et l'eau (le grand plongeon) : En 2008, lors du Crüe Fest, Jacoby, pris d'une envie soudaine de fraîcheur (ou de folie furieuse), a sauté de la scène... directement dans la baie de Zach à New York. Pas dans la foule, non, dans l'eau. Un stage diving aquatique. On imagine la tête de la sécurité et des techniciens son (les micros n'aiment pas l'eau de mer, c'est bien connu…).
• L'incident Ozzfest (ou comment énerver Sharon) : Le groupe a failli se faire virer de la tournée Ozzfest. Jacoby, toujours très (trop ?) enthousiaste, a incité la foule à l'émeute ou au chaos un peu trop fort, ce qui n'a pas plu à la patronne, Sharon Osbourne. On ne rigole pas avec Sharon.
• La générosité en coulisse : Loin de l'image de rockstars inaccessibles, une anecdote Reddit raconte comment le groupe a offert des pass à vie ("Por Vida passes") à un fan qui leur a envoyé un message touchant sur sa dépression. Jacoby a même félicité un fan qui allait devenir grand-père. Sous les tatouages et les cris, il y a des cœurs qui battent.

Pourquoi ça gratte là où il faut ? (Pourquoi on aime ?)

Alors, pourquoi, après plus de 30 ans, continue-t-on à écouter ces quatre types de Vacaville ? Pourquoi remplit-on encore les salles, du Zénith de Paris au Bikini de Toulouse (la meilleure salle du monde, en toute objectivité) ?

• L'énergie du désespoir (et de l'Espoir) : Papa Roach, c'est la catharsis pure. Quand Jacoby hurle "I think I need help" dans la chanson Help, on le sent, on le vit. C'est une musique qui parle aux tripes, aux moments de doute, aux envies de tout casser. Mais contrairement à beaucoup de groupes de l'époque qui restaient dans le "ouin-ouin, ma vie est nulle", Papa Roach a su évoluer vers un message de résilience. "Face Everything And Rise". C'est de la motivation pour métalleux déprimés. C'est mieux qu'une séance chez le psy et moins cher (enfin, sauf si on achète tout le merch).
• La bête de scène : En concert, c'est une machine de guerre. Jacoby est un frontman incroyable. Il court, il saute, il va dans la foule (parfois trop, au risque de perdre une chaussure ou un morceau de chemise), il connecte. J'ai vu des groupes jouer leur set comme des fonctionnaires attendant la pointeuse. Papa Roach, c'est l'inverse. Ils jouent comme si c'était leur dernier concert avant l'apocalypse zombie.
• La capacité d'adaptation : Ils auraient pu mourir avec le Nu-Metal en 2003, rejoindre le cimetière des éléphants avec Crazy Town et Adema. Ils auraient pu devenir une caricature d'eux-mêmes. Au lieu de ça, ils ont intégré du rock, de la pop, de l'électro. Ils ont collaboré avec des artistes récents (Fever 333, Sueco, Jeris Johnson, Carrie Underwood... oui, Carrie Underwood !). Ils sont comme ces cafards qui s'adaptent à tous les poisons. C'est fascinant de voir un groupe traverser les époques en restant pertinent, ou du moins, présent.
• Les refrains hymniques : Jerry Horton et Tobin Esperance savent écrire des "hooks". Des mélodies qui vous collent au cerveau comme un chewing-gum sous une chaussure neuve. Scars, Lifeline, Born for Greatness. On peut faire semblant de ne pas aimer, de trouver ça "commercial", mais au bout de deux écoutes, on se surprend à chantonner sous la douche en utilisant le pommeau comme micro. C'est diabolique d'efficacité.

Pourquoi on sort l'insecticide? (pourquoi on peut détester ?)

Soyons honnêtes, tout n'est pas rose au royaume des insectes. Il y a des raisons valables de sortir la bombe Raid et de faire la grimace.

• Le syndrome du "C'était mieux avant" : Pour les fans de la première heure, ceux qui ont saigné Infest jusqu'à l'usure du CD (vous vous souvenez des CD ?), la direction "pop-rock" des années 2010 est une trahison absolue. Les ballades radiophoniques, les synthétiseurs, les refrains calibrés pour la pub ou les jeux vidéo de sport... ça peut irriter. On est loin de la rage adolescente brute. C'est devenu "propre", trop propre peut-être. Certains diront "aseptisé".
• Les paroles parfois... limites (Niveau Journal Intime) : Jacoby écrit avec son cœur, c'est sûr. Mais parfois, ça frôle le journal intime d'un collégien torturé en classe de 4ème B. Les rimes sont parfois faciles, les thèmes répétitifs (ma vie est dure, je me relève, je suis brisé, je suis fort). Si vous cherchez de la poésie baudelaireienne ou des métaphores filées sur l'existentialisme, passez votre chemin.
• L'effet "Concert caritatif" : Il y a parfois un côté "prêchi-prêcha" sur scène avec Papa Roach. Les longs discours sur la santé mentale, la prévention du suicide, l'espoir... C'est noble, c'est sincère, c'est important (surtout avec des titres comme Leave a Light On qui récolte des fonds). Mais quand ça coupe le rythme du concert toutes les trois chansons, on a parfois envie de crier "Joue la musique, mec !". On vient pour le rock, pas pour une conférence TEDx, même si l'intention est louable.

En conclusion, Papa Roach sont des survivants. Une anomalie dans la matrice du metal et du rock. Un groupe qu'on a enterré dix fois et qui ressort de terre à chaque fois, un peu plus fort, un peu plus pop, mais toujours vivant. Qu'on les aime pour leur énergie débordante ou qu'on les déteste pour leur évolution commerciale, ils sont là. Indestructibles. Comme des cafards après une guerre nucléaire. Et franchement, voir Jacoby Shaddix courir partout en 2025 avec la même énergie qu'en 2000, ça force le respect.

Allez, je retourne écouter Infest dans ma voiture, volume à fond, en espérant que mon fils ne me demande pas ce que veut dire "Don't give a fuck".

MainStage 1

Artiste présent le JEUDI en 2026

[mire123]

Merci pour ce focus !!! J’adore ce groupe et l’énergie dégagée sur scène, un véritable régal de te lire!!!

[Caillou-Cartman]

Hello, je pense que tu es le Kenny rencontré au Westill et au Winterriip ; j’ai fini par faire mon inscription sur le forum

[Iko]

Bienvenue sur le forum @Caillou-Cartman !
Si tu veux te présenter, n’hésite pas à nous dire quelques mots sur toi dans ce topic

Présentations

Bonjour à tous, En vous inscrivant sur ce forum, vous en rejoignez la communauté et c’est toujours plus agréable quand les nouveaux membres se présentent. Voici donc le lieu pour nous en dire un peu plus sur vous, vos centres d’intérêts, vos goûts ou tout ce qui vous anime (dans les limites de la charte d’utilisation ). N’hésitez pas et w’Hell’come d’avance

[Mythrandil]

FOCUS

Ultra Vomit : Coloscopie du phénomène

Dans l'historiographie musicale contemporaine, il est des anomalies qui résistent à la classification habituelle. Si l'on considère la musique classique comme une cathédrale gothique érigée vers le divin, et le Heavy Metal comme sa crypte païenne et bruyante, alors le quatuor nantais Ultra Vomit occupe une place particulière: celle de la gargouille. Une gargouille qui, du haut de sa corniche, crache non pas de l'eau de pluie, mais un mélange improbable de virtuosité technique, et de références scatologiques.

Il est de bon ton, dans les cercles musicologiques autorisés de considérer le metal parodique comme un sous-genre mineur, une note de bas de page dans le grand livre de la musique populaire. Quelle erreur funeste ! Ignorer Ultra Vomit, c'est ignorer le chaînon manquant entre l'absurdité de Boris Vian et la brutalité cathartique du grindcore moderne. C'est refuser de voir que sous le vernis du "pipi-caca" se cache une critique de la culture de masse, mais jouée à 220 BPM.

Depuis leur formation en l'an de grâce 2000, ce qui ne devait être qu'une plaisanterie de potaches a muté pour devenir un phénomène fascinant, une aberration statistique dans le paysage musical hexagonal capable de faire vibrer les murs sacrés de l'Olympia et de profaner les jardins de l'Élysée avec une aisance déconcertante. Là où Mozart jouait avec les conventions du classicisme viennois pour mieux les subvertir — insérant des plaisanteries musicales dans ses divertimentos — Ultra Vomit s'empare des codes dogmatiques du metal pour les passer à la moulinette d'un humour absurde, parfois lourd, souvent brillant, mais toujours exécuté avec une maîtrise instrumentale qui confine au sublime.

Ce focus a pour ambition de décortiquer le "phénomène UV" non pas comme une simple succession de gags musicaux, mais comme une œuvre totale, méritant une analyse aussi rigoureuse et, osons le mot, aussi prétentieuse, que celle que l'on accorderait à la Tétralogie de Wagner. Nous traverserons leur discographie comme on traverse les cercles de l'Enfer de Dante, mais un enfer pavé de canards vivants, de boulangères et de camtars, pour tenter de comprendre pourquoi, contre toute attente, ce groupe est devenu l'un des piliers incontournables de la scène metal française.

Les Origines : Du grindcore à la dérision scatologique

Le berceau Nantais

Nantes, cité des Ducs, berceau du surréalisme de Jacques Pierre Vaché. C'est dans ce terreau fertile, loin des fastes centralisateurs de la capitale mais imprégné d'une énergie créatrice bouillonnante (les Machines de l'Île n'étaient-elles pas déjà une préfiguration steampunk du metal industriel ?), que le projet germe dans l'esprit de Nicolas Patra (dit "Fetus") et d'Emmanuel Colombier (dit "Manard") à la fin du siècle dernier, plus précisément en 1999.

Si Vienne avait ses valses pour étourdir une société en déclin, Nantes avait besoin de son exutoire face à la morosité du nouveau millénaire. Au tournant de l'an 2000, alors que le nu-metal (Limp Bizkit, Korn, ...) domine les ondes avec son sérieux parfois risible et ses pantalons trop larges, Ultra Vomit naît comme une réaction épidermique. Une réaction non pas politique, comme le fut le punk de 77, mais une réaction esthétique : le refus du sérieux, le rejet de la "pose".

La formation initiale

Formé initialement comme un groupe de grindcore pur et dur, le groupe comprenait à ses débuts une configuration instable, typique des périodes de gestation artistique.

Nicolas Patra (Fetus) et Emmanuel Colombier (Manard) sont les piliers, les Lennon et McCartney du grindcore nantais. Camille Potier (cofondateur) quitte le navire très tôt (2000), laissant la place à une rotation de bassistes, dont Chris Besson (2000-2005) et brièvement Magali Fourcade (2005).

C'est l'époque des répétitions dans des conditions précaires, de la production Do It Yourself. La sortie de M. Patate en avril 2004 clôt cette ère primitive par un coup d'éclat qui leur vaut une reconnaissance immédiate dans l'underground. Ils sont alors les "enfants terribles" de la scène, respectés pour leur brutalité mais encore cantonnés à une niche. Cette ère primitive, documentée par des démos aux titres évocateurs comme Kebabized at Birth (écoulée à la main à 500 exemplaires, véritable trésor pour les collectionneurs), rappelle les premiers quatuors de Haydn : une structure brute, fonctionnelle, destinée à explorer les fondements d'un langage nouveau. Le grindcore d'Ultra Vomit n'est pas politique ; il est domestique. Il ne dénonce pas le capitalisme ou la guerre ; il dénonce la constipation ou la texture des pneus. C'est là que réside leur génie initial : appliquer la violence sonore la plus extrême à des sujets d'une banalité affligeante, créant un décalage cognitif qui deviendra leur signature.

Synthèse discographique : Une progression harmonique vers l'absurde

Si l'on devait comparer la trajectoire discographique d'Ultra Vomit à celle d'un grand compositeur, on pourrait évoquer Beethoven, passant du classicisme robuste de ses premières sonates au romantisme échevelé et visionnaire de ses dernières symphonies.

Chaque album d'Ultra Vomit marque une rupture stylistique, une élévation dans la complexité de l'orchestration et une maîtrise accrue de la satire. Ultra Vomit, c’est quatre albums studios, deux albums live et diverses démos.

Albums studio :

• M. Patate (2004)
• Objectif : Thunes (2008)
• Panzer Surprise! (2017)
• Le Pouvoir de la Puissance (2024)

Albums Live :

• L’Olymputaindepia (2019)
• Le Gros 4 : Live au Zénith de Strasbourg (2022)

M. Patate (2004) : La période "Sturm und Drang"

Le premier album, M. Patate, sorti sur le label underground Obliteration Records, est une collection de 22 vignettes sonores d'une brutalité inouïe.

L'album s'inscrit dans le mouvement "Goregrind" mais le subvertit de l'intérieur. Des titres comme Une Souris Verte ou Bouba (reprise du générique du dessin animé de Chantal Goya) témoignent d'une volonté de désacraliser l'enfance, de la souiller par la distorsion. La structure des morceaux, souvent inférieure à deux minutes, refuse le développement thématique cher à la forme sonate pour privilégier l'impact immédiat.

Le chef-d'œuvre méconnu : I Like to Vomit. Dans cette pièce, la répétition obsessionnelle du thème (le vomissement) semble interprétée par des hommes des cavernes sous amphétamines.

Vendu à plus de 1 000 exemplaires — un exploit pour du grindcore français à l'époque — l'album a bénéficié d'une édition collector légendaire : le "Sac de Vieille". Ce packaging conceptuel contenait, outre le CD, un t-shirt et une brosse à dents. Pourquoi une brosse à dents ? Est-ce une critique de l'hygiénisme moderne ? Une invitation à se laver la bouche après avoir proféré tant d'obscénités ?

Objectif : Thunes (2008) : Le tournant baroque et commercial

L'arrivée de Fabien Le Floch (dit "Flockos") en 2005 change la donne. D'abord bassiste (2005-2007), puis guitariste principal (dès 2007), il apporte une musicalité et une rigueur technique qui manquaient peut-être aux débuts, capable de tricoter des solos furieux avec une décontraction insolente.

Cette période voit le groupe s'éloigner du grindcore pur pour embrasser la parodie musicale large. La composition d'Objectif : Thunes se fait dans une effervescence créative. Le groupe signe chez Listenable Records, un label sérieux (celui de Gojira à l'époque), ce qui, paradoxalement, renforce la portée de leur blague.

Objectif : Thunes, le titre lui-même est une critique cynique de l'industrie musicale, tout en affichant une honnêteté désarmante. C'est leur Flûte Enchantée : une œuvre populaire, accessible. L'album abandonne le tout-grindcore pour explorer une variété de styles vertigineuse. Je Collectionne des Canards (Vivants) n'est pas sans rappeler les comptines de notre enfance, mais orchestrées avec une fureur punk qui doit autant aux Béruriers Noirs qu'à Blink-182.

Boulangerie Pâtisserie est une ode à l'artisanat français chantée avec la gravité d'un choral luthérien, où le growl devient un outil de célébration du pain au chocolat (Note du rédacteur : Ultra Vomit étant Nantais, je m’autorise exceptionnellement l’utilisation de ce terme localiste).

Après le succès d'Objectif : Thunes, le groupe entre dans une phase de stase discographique apparente. Huit ans sans album. Que font-ils ? Ils tournent. Ils deviennent des bêtes de scène. Ils participent à des projets parallèles absurdes comme Andréas et Nicolas (le groupe de "Super Chanson" de Fetus), prouvant que leur hyperactivité créatrice ne s'arrête jamais.

Durant cette période, la basse change de mains : Pierre "L'Estomac" Jacou officie de 2009 à 2014, avant de laisser sa place à Matthieu Bausson en novembre 2014. Ce changement de bassiste, loin d'être anodin, marque le passage à une section rythmique plus "groove", essentielle pour les morceaux à venir.

Panzer Surprise! (2017) : La symphonie du nouveau monde

Il aura fallu attendre neuf ans, une éternité dans le monde de la musique pop, pour voir naître le successeur. Panzer Surprise! est l'album de la maturité technique. Mixé par Fred Duquesne (guitariste de Mass Hysteria), le son est massif, puissant, digne des plus grandes productions.

Chaque piste est un pastiche stylistique, un hommage mimétique d'un groupe légendaire, réalisé avec une précision musicologique effrayante. Kammthaar n'est pas une parodie de Rammstein ; c'est une chanson de Rammstein écrite par des Français qui auraient trop bu de schnaps. L'analyse du son de guitare révèle une fidélité troublante à l'original indus-metal allemand de Richard Z. Kruspe. Evier Metal se moque gentiment des clichés du Heavy Metal façon Iron Maiden.

La Ch'nille transforme la danse populaire beauf par excellence en une marche militaire terrifiante. C'est la rencontre improbable entre Patrick Sébastien et Dmitri Chostakovitch. Le groupe manipule les émotions de l'auditeur, le forçant à headbanguer sur des rythmes qui devraient logiquement provoquer l'hilarité et/ou la consternation.

Avec des titres comme Calojira, Ultra Vomit invente le "mash-up conceptuel". Ils ne se contentent pas de copier ; ils synthétisent les essences de deux artistes opposés (ici, la pop de Calogero et la lourdeur technique du death metal de Gojira) pour créer une chimère musicale monstrueuse. C'est une démarche alchimique, transformant le plomb de la variété en or metallique.

Certifié Disque d'Or par le SNEP en octobre 2021 (plus de 50 000 ventes), cet album prouve que l'humour, lorsqu'il est soutenu par une excellence technique, peut transcender les barrières du genre. C'est la première fois depuis Contraddiction de Mass Hysteria, sorti en 1999 et certifié en 2018, qu'un groupe de metal français atteint ce seuil critique.

La sortie de Panzer Surprise! en avril 2017 est un séisme. Le groupe est partout. Le Hellfest leur offre la Main Stage en juin 2017, une consécration équivalente à jouer à Bayreuth pour un wagnérien. Devant 60 000 personnes, ils prouvent que l'humour peut fédérer des foules immenses.

L'année 2018 voit leur apogée scénique avec un concert mythique à l'Olympia le 31 octobre, immortalisé par l'album live L'Olymputaindepia (2019). Ils ne sont plus un "petit groupe rigolo", ils sont une institution.

En 2021, ils participent à la tournée "Le Gros 4", réunissant les quatre piliers du metal français : Mass Hysteria, Tagada Jones, No One Is Innocent et Ultra Vomit. Cette tournée est un adoubement. Ultra Vomit n'est plus le bouffon à l'extérieur de la cour, il siège à la table des rois.

Le Pouvoir de la Puissance (2024) : L'apothéose néo-classique

Le dernier opus en date (septembre 2024) confirme le statut de géants du groupe. Le titre est une tautologie magnifique, une mise en abyme de la vacuité des slogans marketing.

Si la recette reste la même (parodies, technique irréprochable), l'exécution atteint des sommets de précision. Doigts de Metal parodie le rap d'Orelsan avec un mimétisme vocal stupéfiant de Fetus, prouvant que sa tessiture vocale est aussi élastique que celle d'un contre-ténor baroque.

Les sujets restent triviaux (Mollo sur le Caca, Ricard Peinard), mais sont traités avec une gravité wagnérienne. L'album est une critique en creux de la société de consommation et de l'ère numérique (GPT (à l'instant)), dissimulée sous des couches de distorsion.

L'annonce de l’album Le Pouvoir de la Puissance en juin 2024 a été accueillie avec une ferveur quasi-religieuse. Cependant, l'histoire récente est marquée par le drame physique : l'opération d'urgence de Nicolas Patra pour une hernie discale en mai 2025. Tel un athlète de haut niveau blessé dans l'effort, ou un pianiste perclus d'arthrite, Fetus doit marquer une pause.

L'annulation du concert prévu au Hellfest 2025 est un traumatisme pour la communauté, compensé par la promesse d'un retour triomphal sur la Mainstage 1 le 19 juin 2026, en clôture de légendes vivantes comme Iron Maiden et Helloween.

Line-up Actuel : Analyse d'un quatuor dissonant

À l'instar d'un quatuor à cordes, chaque membre d'Ultra Vomit joue un rôle précis dans l'équilibre instable de l'ensemble.

• Nicolas "Fetus" Patra (Chant, Guitare) : Le Frontman, le Démiurge, le Roi. Sa voix est un instrument polymorphe, capable de passer du growl le plus caverneux (évoquant les tréfonds de l'âme humaine ou une canalisation bouchée) au chant clair mielleux de la variété française, voire aux inflexions rappées.
• Emmanuel "Manard" Colombier (Batterie, Chœurs) : Le Métronome Intellectuel, le Gardien du Temple. Derrière ses fûts, Manard ne se contente pas de battre la mesure ; il sculpte le temps. Son jeu de double pédale est d'une régularité mathématique. Il est souvent le porte-parole du groupe en interview, maniant l'autodérision avec verve. Il est également un grand amateur de musique rétro (Amiga 500), ce qui influence les interludes électroniques du groupe.
• Fabien "Flockos" Le Floch (Guitare Lead, Chœurs) : Le Virtuose, le Coloriste. Son arrivée a transformé le groupe. Ses solos ne sont pas de simples démonstrations de vélocité ; ils sont narratifs. Il est capable d'imiter le style de Kirk Hammett (Metallica), de Dimebag Darrell (Pantera) ou d'Angus Young (AC/DC) avec une fidélité qui frise le plagiat de génie.
• Matthieu "Le Farfadet" Bausson (Basse) : Le Socle, la Fondation Tellurique.: Arrivé en 2014, il a su s'imposer par un jeu de basse solide. Son rôle est ingrat mais essentiel : faire le lien entre la folie rythmique de Manard et les délires mélodiques des guitaristes. Sa basse gronde comme un orage lointain, souterraine, viscérale.

Anecdotes : Les évangiles apocryphes du metal Nantais

L'histoire d'Ultra Vomit est parsemée d'événements qui défient la logique rationnelle et qui méritent d'être consignés pour la postérité.

L'incident de l'Élysée - Le choc des civilisations : C'est sans doute l'événement le plus surréaliste de l'histoire musicale française du XXIe siècle. Le 23 mai 2021, suite à un pari perdu (un concours d'anecdotes) par les youtubeurs McFly et Carlito face au Président de la République, Ultra Vomit se produit dans les jardins du palais de l'Élysée. Imaginez la scène : le 55 rue du Faubourg-Saint-Honoré, lieu de pouvoir par excellence, envahi par quatre metalleux jouant une version grindcore de Une Souris Verte. Emmanuel Macron, assis sur une chaise pliante, assiste à ce spectacle avec un sourire que l'on pourrait qualifier de perplexe et amusé. C'est la rencontre entre Louis XIV et Molière (si Molière avait porté un t-shirt noir et hurlé dans un micro). Manard décrira plus tard ce moment avec une distance ironique, refusant toute récupération politique ("Nous sommes apolitiques", clame-t-il, bien que l'acte soit intrinsèquement politique par sa nature subversive).

La genèse de "Je collectionne des canards" : L'histoire raconte que ce morceau, devenu un hymne scandé dans tous les festivals, est né d'un "gros délire jouissivement puéril" sans cible particulière. Contrairement aux autres titres qui parodient des groupes précis, celui-ci est une création pure, ex nihilo. La simplicité des paroles ("Je collectionne des canards... vivants") cache peut-être une angoisse existentielle : celle de l'accumulation, du matérialisme, de la volonté de posséder le vivant. Ou alors, c'est juste une chanson sur des canards. L'ambiguïté est totale, c'est là toute la beauté de l'œuvre.

L’hernie discale de Fetus - Le martyr du rock et "Miction: Impossible" : En mai 2025, le corps de Fetus lâche. Hernie discale. Opération d'urgence. Le groupe annule tout, y compris le Hellfest. Mais plutôt que de se murer dans le silence digne des grands malades, ils transforment la douleur en art. De cet événement traumatique naît le single inédit Miction: Impossible (Sonde de b!te), sorti le 3 juillet 2025. Comme Frida Kahlo peignait sa souffrance clouée au lit, Fetus chante l'humiliation et la douleur de la sonde urinaire. Le réel fait irruption dans la farce, rappelant la fragilité de la condition humaine face à la machine médicale.

Pourquoi on aime ?

Aimer Ultra Vomit, c'est accepter une part de soi que la société nous demande de réprimer : l'idiot du village qui sommeille en chacun de nous.

• La virtuosité au service du néant : Il y a une jouissance intellectuelle intense à entendre des musiciens d'un tel niveau technique jouer des morceaux aux paroles aussi stupides. C'est le contraste entre la forme (complexe, riche, puissante, produite par Fred Duquesne) et le fond (trivial, scatologique). C'est l'équivalent musical d'une statue de Rodin sculptée dans une motte de beurre (salé, ils sont Nantais). Ils valident le fait que l'on peut aimer le metal (musique exigeante) sans adhérer à son sérieux parfois plombant.
• La madeleine de Proust : Ultra Vomit active notre nostalgie. En reprenant des thèmes de dessins animés (Bouba, Une Souris Verte) ou des publicités (la purée Mousseline), ils touchent à notre inconscient collectif. Ils transforment nos souvenirs d'enfance, souvent mièvres, en hymnes. C'est une réappropriation bruyante de notre innocence perdue. Le public du Hellfest, souvent quadragénaire, se reconnaît dans ces références culturelles communes.
• L'hommage sincère : Sous la parodie perce l'amour. Quand ils imitent Gojira ou Rammstein, ils ne se moquent pas méchamment. Ils rendent hommage. On sent qu'ils ont passé des heures à décortiquer le son de leurs idoles pour le reproduire à la perfection. Kammthaar est peut-être la meilleure chanson que Rammstein n'a jamais écrite, une lettre d'amour en à peu-près-allemand. Un membre d'Ultra Vomit rapporte que le groupe Gojira, parodié dans la chanson Calojira, a commenté en disant : « C’est un honneur d’être parodié par Ultra Vomit. »

Pourquoi on peut détester ?

Pourtant, il est légitime, voire nécessaire par honnêteté intellectuelle, d'émettre quelques réserves...

• L'écueil de la "beaufitude" : Il existe une fine ligne entre le second degré et la vulgarité crasse. Pour certains, Ultra Vomit franchit cette ligne allègrement. L'humour "pipi-caca", la glorification de l'alcool (Ricard Peinard), les jeux de mots faciles peuvent lasser... On peut leur reprocher de transformer le metal en musique de camping ou de fête de village.
• La répétition du procédé et l'auto-parodie : L'album Le Pouvoir de la Puissance a été critiqué par certains pour son "manque de surprise". La recette "intro sérieuse -> riff metal -> paroles absurdes -> imitation d'un groupe connu" peut finir par tourner dans le vide. À force de parodier, le groupe ne risque-t-il pas de devenir la parodie de lui-même ? Si chaque morceau est une blague, l'effet de surprise s'émousse avec le temps.
• La désacralisation du metal (le sacrilège) : Pour les gardiens du temple du "Vrai Metal" (les Trve Black Metalleux), Ultra Vomit est une hérésie. Ils rendent le metal "sympa", "drôle", "accessible". Ils le dépouillent de son aura de dangerosité et de mysticisme sombre. Voir Macron sourire devant Ultra Vomit est la preuve ultime de la mort du genre, avalé par le capitalisme et le divertissement de masse. Ils ont transformé la messe noire en kermesse.

Conclusion

En définitive, Ultra Vomit est bien plus qu'un groupe de "Blague Metal". C'est un miroir déformant tendu à la scène metal. Ils sont les bouffons d'une cour où Metallica, Iron Maiden sont les rois. Par leur maîtrise technique, ils gagnent le droit de se moquer.

Comparer Fetus à Mozart est-il fallacieux ? Evidemment sur le plan de la composition pure, mais pas sur celui de l'esprit. Mozart écrivait des canons scatologiques pour amuser ses amis entre deux messes solennelles. Ultra Vomit a fait de cette dualité son fonds de commerce. Ils nous rappellent que l'art le plus élevé côtoie toujours les fonctions biologiques les plus basses. Dans le grand concert de l'humanité, Ultra Vomit joue la carte du “pipi-caca”, celle qui fait rire et nous ramène au stade anal de notre enfance, nous rappelant avec une humilité bruyante que nous ne sommes, après tout, que de la poussière d'étoiles capable de rire de ses propres déjections. Et cela, en soi, est une forme de grandeur.

MainStage 1

Artiste présent le Vendredi en 2026

[FF]

Merci pour tous tes focus qui sont très bien écrits et m’apprennent pas mal de choses sur des groupes que je connais pourtant assez bien.

Étant donné que UV devrait jouer juste après Sabaton j’espère bien qu’ils ont prévu de commencer par le morceau La puissance du pouvoir😁

[Mythrandil]

FOCUS

God is An Astronaut - Trajectoires orbitales et résonances cosmiques

Début de transmission…

Séquence de lancement : Introduction à l'anomalie Irlandaise

Dans l'univers en constante expansion du rock instrumental, peu de corps célestes ont maintenu une trajectoire aussi stable et lumineuse que God Is An Astronaut (parfois abrégé en GIAA). Émergeant des brumes du comté de Wicklow, en Irlande, au début du nouveau millénaire, ce qui a commencé comme une expédition solitaire de deux frères jumeaux s'est transformé en une odyssée interstellaire majeure. GIAA a sa propre route de navigation : une fusion précise d'électronique, et de murs de guitares, le tout propulsé par une esthétique visuelle qui transforme chaque concert en une véritable sortie extravéhiculaire.

Ce focus exhaustif, conçu comme une analyse de données de vol sur plus de deux décennies, se propose de décoder le signal complexe émis par le groupe. Attachez vos ceintures, nous passons en vitesse lumière.

Origines : Le pas de tir de Wicklow

Les coordonnées de la genèse : Glen of the Downs

L'histoire de God Is An Astronaut commence dans le calme relatif du "Jardin de l'Irlande". En 2002, les frères jumeaux Niels et Torsten Kinsella, vétérans de la scène musicale locale depuis le milieu des années 90, se retrouvent à un carrefour existentiel. Après avoir navigué dans diverses formations sans atteindre la vitesse de libération espérée, ils envisagent ce nouveau projet non pas comme un début de carrière, mais comme une transmission finale, un dernier message envoyé dans le vide avant de couper le contact avec l'industrie musicale.

L'intention initiale était de composer une musique libérée des contraintes gravitationnelles des labels et des attentes commerciales. "C'était plus un adieu à l'industrie musicale", confiait alors Torsten Kinsella. "Nous voulions faire quelque chose sur lequel nous pourrions tirer notre révérence". Cette absence d'ambition commerciale a paradoxalement servi de carburant à haute densité. En se libérant de la nécessité de plaire, ils ont pu synthétiser un son pur, hybride entre leurs influences électroniques de la fin des années 90 et l'énergie brute du post-rock.

La Prophétie de Nightbreed : Nom de Code

Que signifie ce nom : God is An Astronaut ? Est-ce une vision poétique pour dire que Dieu nous observe depuis l’espace ? Ou bien le début d’une piste sur son identité ? Une chose est sûre, si un jour GIAA nous dit “God is playing the saxophone”, je regarderai Thomas Pesquet autrement.

Évidemment, God Is An Astronaut, n'est pas le fruit d'une observation télescopique, mais d'une référence culturelle obscure. Le nom est tiré d'une ligne de dialogue du film d'horreur fantastique Nightbreed (Cabale), réalisé par Clive Barker en 1990. Dans une scène, le personnage de Narcisse déclare : "God's an astronaut, Oz is over the rainbow and Midian is where the monsters live".

Cette phrase a résonné chez les frères Kinsella comme une métaphore parfaite de leur vision artistique.. Elle suggère que le divin est peut-être simplement un voyageur lointain, un observateur distant. Ce choix sémantique a défini l'esthétique du groupe pour les décennies à venir, ancrant leur identité dans une dualité entre la science-fiction et l'émotion brute.

Autarcie et indépendance : Le système de survie fait-maison

Dès le début de la mission, les Kinsella ont compris que pour maintenir leur cap, ils devaient contrôler leur propre vaisseau. En 2002, l'industrie musicale était en pleine mutation, et le post-rock, genre de niche par excellence, n'offrait que peu de garanties de survie. Refusant de dépendre de contrôleurs au sol externes, ils ont fondé leur propre label, Revive Records.

Ce choix stratégique crucial leur a permis de conserver une intégrité artistique totale. Ils ont produit, mixé et masterisé leurs propres albums, réalisé leurs propres vidéos et géré leur distribution initiale. Leur premier album, The End of the Beginning, a été publié sur ce label, établissant un modèle économique d'autosuffisance. Même lorsque des labels plus importants comme Rocket Girl ou plus tard Napalm Records sont entrés dans l'équation pour la distribution ou des sorties spécifiques, le noyau créatif est resté hermétiquement protégé par les frères Kinsella, garantissant que chaque signal émis par GIAA soit authentique et non filtré.

Synthèse discographique : Cartographie des systèmes solaires

Tableau de bord des missions (Discographie studio et live) :

• The End of the Beginning (2002)
• All Is Violent, All Is Bright (2005)
• A Moment of Stillness (2006)
• Far From Refuge (2007)
• God Is An Astronaut (2008)
• Age of the Fifth Sun (2010)
• Origins (2013)
• Helios | Erebus (2015)
• Epitaph (2018)
• Ghost Tapes #10 (2021)
• The Beginning of the End (2022) - Album live
• Somnia (2022)
• Embers (2024)

Phase 1 : Mise en orbite et premiers signaux (2002-2004)

Mission : The End of the Beginning

L'album inaugural est une capsule temporelle. En 2002, le groupe opère encore principalement comme un duo de studio. Le son est fortement marqué par l'ère électronique de la fin des années 90, intégrant des beats programmés et des textures de synthétiseurs qui rappellent Massive Attack.

Des titres comme The End of the Beginning et From Dust to the Beyond établissent immédiatement la signature mélodique du groupe : des pianos simples mais évocateurs qui flottent sur des rythmiques breakbeat. C'est la "mélancolie optimiste" qui deviendra leur marque de fabrique. Les vidéos, produites par le groupe, reçoivent une rotation inattendue sur MTV UK, propulsant le signal bien au-delà de l'Irlande.

Phase 2 : Le Big Bang et l'expansion (2005-2009)

Mission : All Is Violent, All Is Bright

C'est l'album de la consécration, la supernova qui a rendu le groupe visible depuis tous les coins de la galaxie post-rock. Avec l'intégration définitive du batteur Lloyd Hanney, le son gagne une puissance organique phénoménale.

Les titres Suicide by Star et Fragile deviennent des incontournables des concerts, définissant le style "calme-tempête" du groupe. La critique salue cet album comme une promesse tenue, plaçant GIAA dans la cour des grands.

Mission : A Moment of Stillness (EP)

Comme pour reprendre son souffle après l'accélération brutale de 2005, cet EP explore la stase. Forever Lost (Reprise) montre leur capacité à réinterpréter leurs propres données.

Mission : Far From Refuge & God Is An Astronaut

Ces deux albums marquent une période de consolidation. Far From Refuge (2007) assombrit la palette, réduisant les éléments électroniques au profit des guitares. L'album éponyme de 2008 tente de trouver l'équilibre parfait entre ces deux mondes. Bien que certains critiques commencent à noter une certaine redondance dans la formule, la base de fans s'élargit de manière exponentielle.

Phase 3 : Nouvelles constellations et expérimentations (2010-2015)

Mission : Age of the Fifth Sun

En 2010, le groupe réinjecte massivement de l'électronique dans son son. L'album est poli, spatial, presque futuriste. C'est une tentative de moderniser leur vaisseau pour une nouvelle décennie.

Mission : Origins

En 2013, le groupe subit une mutation structurelle. Ils passent d'un trio à un quintet (live), intégrant de nouveaux membres. Origins est décrit par le groupe comme leur "instantané le plus saturé". Ils expérimentent avec des vocaux traités, utilisés non pour les paroles mais comme un instrument supplémentaire, ajoutant une présence fantomatique à la musique.

Mission : Helios | Erebus

Le titre fait référence à la dualité entre la personnification du Soleil (Helios) et celle des Ténèbres (Erebus). L'album joue sur ces contrastes extrêmes : des passages doux et mélancoliques suivis de riffs écrasants, presque doom-metal. C'est l'album le plus "cinématographique" et lourd de cette période, intégrant des éléments de mythologie grecque dans le cosmos.

Phase 4 : Trous noirs et turbulences (2018-2021)

Mission : Epitaph

La trajectoire du groupe percute un astéroïde tragique : la mort du cousin des frères Kinsella, âgé de seulement 7 ans. C'est un album sombre, lent, lourd, qualifié de "Doom-gaze". La pochette elle-même évoque la noirceur et le souvenir.

Mission : Ghost Tapes #10

Enregistré pendant le confinement du COVID 19, cet album est une réaction violente à l'enfermement. Décrit comme le plus "féroce" du groupe, il délaisse un peu les atmosphères planantes. Le retour temporaire de Jamie Dean aux claviers et guitares injecte une énergie nerveuse. C'est la bande-son d'un monde à l'arrêt, rempli de frustration et d'énergie cinétique contenue.

Phase 5 : Renaissance psychédélique (2022-Présent)

Mission : Embers

Sorti en septembre 2024, suite au décès de leur père, Thomas Kinsella, en 2023, les frères décident d'honorer sa mémoire musicale. Thomas, ancien membre du groupe psychédélique The Orange Machine dans les années 60, avait suggéré l'utilisation de sitars et d'instruments orientaux. Torsten utilise les pédales fuzz et les amplis vintage de son père pour créer un son qui est à la fois rétro et futuriste. C'est un album de deuil, mais lumineux, une célébration de la transmission entre générations.

Équipage de Vol : Line-up actuel et analyse des rôles

La dynamique interne de GIAA repose sur une alchimie complexe entre la fraternité biologique et l'expertise technique.

Commandants de mission (Membres Fondateurs)

• Torsten Kinsella (Guitares, Claviers, Vocaux) : Le cerveau central. Torsten gère la navigation musicale. Sa voix, souvent noyée dans la réverbération, agit comme une transmission radio lointaine.
• Niels Kinsella (Basse, Guitares, Visuels) : Le copilote indispensable. En plus de fournir les fréquences basses qui ancrent les morceaux, Niels est l'architecte visuel du groupe. Il conçoit les projections vidéo qui sont synchronisées à la milliseconde près avec la musique, transformant les concerts en cinéma immersif.

Officier de propulsion (Batterie)

• Lloyd Hanney (Batterie, Synthés) : À bord depuis 2003/2005. Batteur de formation jazz, il a apporté une complexité rythmique essentielle. Les données récentes indiquent une zone de flou concernant son statut futur. Bien qu'il soit le batteur sur Embers et mentionné pour la tournée 2025, certaines sources d'archives mentionnent une fin de mandat potentielle en 2025 ou l'utilisation de Stephen Whelan pour certaines dates futures.

Spécialistes de mission (Membres tournants et invités)

• Jamie Dean (Claviers/Guitare) : Le "fils prodigue". Membre clé de 2010 à 2017, revenu pour Ghost Tapes en 2021, il a apporté une dimension piano plus agressive et mélodique. Il poursuit désormais des missions en solo.
• Jo Quail (Violoncelle) : Collaboratrice fréquente et invitée de marque. Sa présence sur scène ajoute une texture classique, créant un pont entre la musique de chambre et le post-rock cosmique.
• Invités sur Embers : L'album 2024 voit l'arrivée d'instruments exotiques joués par des invités comme Dara O'Brien (sitar, instruments chamaniques), élargissant la palette sonore vers l'Orient.

Données de la boîte noire : Anecdotes et faits spatiaux

"Mogwai on happy pills" - La classification spectrale : Une anecdote célèbre concerne la classification du groupe par la presse. Un critique a un jour décrit leur musique comme "Mogwai on happy pills" (Mogwai sous pilules du bonheur). Cette description amusante souligne la différence fondamentale entre GIAA et leurs homologues écossais : là où Mogwai tend vers le désespoir et la dissonance, GIAA conserve souvent une luminosité, une mélancolie porteuse d'espoir, comme regarder une étoile briller dans le vide total.

Visuels - Le quatrième membre : Pour GIAA, l'écran de projection n'est pas un accessoire, c'est un membre du groupe. Chaque chanson possède sa propre identité visuelle pré-calculée : clips de la NASA, images de guerre, paysages abstraits ou extraits de films modifiés. Lors des concerts, Niels ne se contente pas de jouer de la basse, il pilote ce flux visuel. Cette synchronisation parfaite est ce qui permet au public de "décoller". Sans ces visuels, comme noté lors de rares concerts où ils étaient absents pour cause technique, l'expérience perd une dimension critique de sa gravité artificielle.

Pourquoi on aime ?

• Cohérence atmosphérique : GIAA a la capacité rare de créer des mondes sonores complets. Que ce soit la froideur de l'espace ou la chaleur d'un souvenir, l'immersion est totale. Leur maîtrise des textures électroniques combinée aux instruments rock crée un "mur de son" qui est à la fois massif et détaillé.
• Mélodie vs abstraction : Contrairement à de nombreux groupes de post-rock qui se perdent dans l'abstraction, GIAA reste attaché à la mélodie. Leurs morceaux sont structurés, avec des thèmes accrocheurs, ce qui rend leur musique accessible même aux réfractaires du genre instrumental.
• Puissance scénique : Le groupe serait réputé pour être beaucoup plus lourd et intense en live que sur album. La batterie de Lloyd Hanney, souvent mixée proprement en studio, devient plus en concert, transformant les morceaux ambiants en hymnes metal furieux.

Pourquoi on peut détester ?

• Redondance orbitale (La formule) : La critique la plus persistante concerne la répétitivité. Certains albums, notamment entre 2007 et 2010, ont été accusés de suivre trop fidèlement la formule "intro calme -> montée -> explosion -> fin calme".
• Dépendance à la technologie : Leur show reposant énormément sur la synchronisation vidéo et les backing tracks (pour les synthés complexes), toute avarie technique devient catastrophique pour l'immersion. De plus, cette rigidité laisse peu de place à l'improvisation pure sur scène.

Télémesure Finale

God Is An Astronaut a réussi l'improbable : transformer le silence du cosmos en vacarme émotionnel. Partis d'une chambre dans le comté de Wicklow avec l'idée de faire un album d'adieu, ils sont devenus les navigateurs en chef de la flotte post-rock européenne.

Pour l'auditeur, God Is An Astronaut est ce vaisseau fiable, capable de nous emmener aux confins de l'univers connu, là où les monstres qui hantent notre planète rencontrent les astronautes de Dieu, dans un ballet de lumière et de distorsion.

Fin de transmission. Mission terminée.

Note : allez lire cette interview de Torsten Kinsella qui est une mine d’informations.

Valley

Artiste présent le Samedi en 2026

[Iko]

ALTA ROSSA

Scène : Valley
Jour : Dimanche

Formation

ALTA ROSSA est un groupe Bisontin formé par 5 musiciens venus d’horizons différents. Bien que le groupe n’existe officiellement que depuis 2020, ses membres étaient tous actifs dans différents groupes aux genres variés mais partageant tous une rage commune. Leur « carrière » n’a officiellement débuté qu’il y a quelques années, avec quelques lives joués ici ou là, jusqu’aux Eurockéennes et un Petit Bain Parisien en ouverture de Proudhon en 2025.

Musique

Dans un désir de créer quelque chose entre amis, ils décident donc de se lancer dans l’aventure en proposant une musique noire et d’explorer des thématiques sombres ensemble. Leur musique, sans vouloir se draper d’une étiquette, est composée de sludge violent et enragé, de doom écrasant teinté de black par moments, de post ou encore de hardcore le tout porté par une voix écorchée. Cette musique est la représentation de la réflexion du groupe et des thèmes qu’il aborde. Leur nom, Alta Rossa, en italien « Alerte Rouge » est un indice supplémentaire des sujets abordés dans leurs morceaux. Des thèmes liés à la mort, la nature humaine complexe et la tyrannie des puissants qui la guide. Leur dernier album A Defiant Cure, contient des morceaux tels que The Art of Tyrant qui explore la domination de certains humains sur d’autres et la révolte silencieuse de la majorité.

The Art of Tyrant

Discographie

A Defiant Cure (2024)

Void of an Era (2022)

[Pierrottingchrist]

Présents en ouverture de l’Amarok fest fin février, je vous en dirai des nouvelles, comme on dit.

[Mythrandil]

FOCUS

BLOODYWOOD

L'Épopée du Metal Tikka Masala – Entre riffs et révolte au cœur du "Wild Wild East"

L'éveil du géant de new Delhi

L'Inde est souvent perçue de manière bien déformée vue de France : le Taj Mahal scintillant sous la lune, les vaches sacrées ruminant philosophiquement au milieu d'embouteillages apocalyptiques, ou encore les cérémonies hindouïstes au bord du Gange. Pourtant, derrière ces images d'Épinal et l'odeur caractéristique d'encens et de curry, bouillonne une colère moderne, une énergie féroce qui ne demandait qu'à s'exprimer. C'est de ce terreau complexe, où la tradition millénaire du raga percute la brutalité du capitalisme numérique, qu'a jailli Bloodywood.

Ce groupe n'est pas simplement une curiosité exotique destinée à amuser les algorithmes de YouTube. Il est le symptôme bruyant d'une jeunesse indienne qui a troqué le sitar pour la guitare électrique. En fusionnant le Nu Metal américain des années 2000 avec les percussions punjabies et les flûtes traditionnelles, Bloodywood a créé ce qu'ils nomment eux-mêmes, avec un sens de l'autodérision typiquement indien, le "Metal Tikka Masala". Une musique riche, épicée, parfois indigeste pour les puristes, mais absolument impossible à ignorer.

Focus sur ce phénomène culturel, de ses débuts parodiques dans une chambre de New Delhi jusqu'à la consécration sur les scènes des festivals européens, en passant par leur signature historique avec Fearless Records pour l'album Nu Delhi en 2025.

1. Origine du groupe : Du "bedroom studio" à la conquête numérique

Une scène metal indienne en gestation

Pour comprendre l'émergence de Bloodywood, il faut d'abord planter le décor de la scène musicale indienne du début du millénaire. Comme le rappelle Jayant Bhadula, le chanteur du groupe, l'Inde est un pays de contrastes violents, où la technologie de pointe côtoie des zones rurales dépourvues d'infrastructures. Dans les années 2000, l'accès au metal occidental était un parcours du combattant. Il n'y avait pas de Spotify ou d'Apple Music, et les magasins locaux comme Planet M n'offraient qu'une sélection limitée de groupes de rock et de metal. La culture metal se transmettait sous le manteau : des CD gravés par des cousins expatriés, des échanges de fichiers MP3 sur des connexions bas débit, et des t-shirts pirates de Linkin Park vendus par des marchands ambulants, créant un écosystème de passionnés bien avant la démocratisation d'Internet.

C'est dans ce contexte que les futurs membres de Bloodywood ont forgé leur éducation musicale. Jayant Bhadula a été initié au metal à l'âge de treize ans par un cousin qui lui a montré le clip de The Pursuit of Vikings d'Amon Amarth, une révélation brutale qui lui a donné l'impression d'être "happé dans un autre monde". De son côté, Raoul Kerr, le rappeur du groupe, a commencé son voyage avec l'album Meteora de Linkin Park en 2003, voyant d'abord cela comme une fusion rock/hip-hop avant de comprendre qu'il s'agissait de metal.

La rencontre : le juriste et le manager

Le catalyseur du projet se nomme Karan Katiyar. En 2016, ce jeune homme prend une décision qui ferait frémir n'importe quelle mère indienne traditionnelle : il abandonne une carrière prometteuse de juriste en entreprise pour se consacrer à la musique. Autodidacte acharné, ayant tout appris sur YouTube — de la guitare à la production musicale —, Katiyar cherche un exutoire.

Katiyar commence par poster des parodies metal de chansons de Bollywood sur YouTube. Le concept est drôle, mais il manque une voix capable de porter cette lourdeur. C'est lors d'un concert local à New Delhi qu'il repère Jayant Bhadula, qui travaille alors comme manager de talents dans une société de divertissement. La polyvalence de Bhadula, capable de passer d'un chant mélodique indien profond à des growls gutturaux dignes des scènes scandinaves, est la pièce manquante du puzzle.

Les débuts : "Détruire les chansons pop" (2016-2017)

Leur mission initiale est irrévérencieuse : prendre des tubes pop mielleux et les "détruire" à coups de riffs saturés. Sous le nom de Bloodywood (un jeu de mots évident entre Bollywood et une dose d'hémoglobine), le duo s'attaque à des monuments comme Despacito ou Shape of You d'Ed Sheeran. Mais c'est leur reprise de Heavy de Linkin Park en 2017 qui attire l'attention de la presse internationale (comme les magazines Loudwire ou Metal Hammer), qui salue paradoxalement cette version comme étant "ce que la chanson aurait dû être" si Linkin Park était resté fidèle à ses racines Nu Metal.

À ce stade, Bloodywood n'est pas un "vrai" groupe. C'est un projet de créateurs de contenu, une entité numérique qui capitalise sur la viralité. Ils n'ont jamais joué ensemble sur scène. Mais ils construisent une base de fans internationale, paradoxalement plus importante en Occident qu'en Inde même, où le metal reste une niche.

L'élément déclencheur : L'arrivée de Raoul Kerr

Pour passer de la parodie à l'art, il fallait un troisième élément. Raoul Kerr, un rappeur anglophone de New Delhi avec un projet solo, avait collaboré avec Katiyar sur un clip. Sept mois plus tard, Katiyar l'invite à poser sa voix sur une reprise d'une chanson folk punjabie, Ari Ari. Kerr, dont le style est imprégné de la colère politique de Rage Against The Machine et du flow de Mike Shinoda, apporte une crédibilité et une dimension sociale qui manquaient aux parodies. Le succès viral de Ari Ari en 2018 transforme le projet : Bloodywood n'est plus une blague, c'est un groupe de Folk Metal Indien.

2. Discographie

La discographie de Bloodywood est atypique. Elle ne suit pas le schéma classique "Demo -> EP -> Album". Enfants de l'ère du streaming, ils ont d'abord inondé les plateformes de singles avant de les réunir dans des albums :

• Anti-Pop Vol. 1 (2017) - Compilation / Album (Auto-production) : Souvent considéré comme leur premier "album", il s'agit techniquement d'une compilation de leurs reprises parodiques virales (Nirvana, Backstreet Boys, 50 Cent). Il marque la fin de leur ère "YouTuber" et la transition vers le sérieux.
• Rakshak (2022) - Album Studio (Auto-production) : Le véritable premier album de compositions originales. Le titre signifie "Protecteur" en hindi. Un succès critique massif qui les propulse au Billboard, une première pour un groupe de metal indien.
• Nu Delhi (2025) - Album Studio (Fearless Records) : L'album de la consécration internationale et de la signature chez un major. Plus lourd, plus sombre, il est décrit comme une lettre d'amour à leur ville natale et au genre Nu Metal.

3. Biographie : Du Gange au Billboard, Chronique d'une Ascension

Chapitre 1 : Le laboratoire de New Delhi (2016-2018)

Les premières années sont celles de l'alchimie. Karan et Jayant, enfermés dans leur studio, testent les limites de la fusion. Ils comprennent vite que le public indien, massivement tourné vers les musiques de films (Bollywood), considère le metal comme une cacophonie étrangère. Pour se faire entendre, ils utilisent la stratégie du cheval de Troie : enrober le metal dans des mélodies pop connues de tous.

L'idée de génie survient lorsqu'ils décident d'intégrer le dhol, ce tambour traditionnel omniprésent dans les mariages indiens et les fêtes agricoles du Pendjab. Le rythme ternaire du dhol se marie à la perfection avec les syncopes du metal moderne (Djent). Avec Ari Ari, ils ne parodient plus ; ils innovent. Le clip, tourné à l'arrache dans les rues de Delhi, capture cette énergie brute : on y voit le groupe à cheval et à chameau, créant une imagerie visuelle aussi forte que leur son.

Chapitre 2 : Raj Against The Machine et la conquête de l'Ouest (2019)

2019 est l'année pivot. Sans jamais avoir donné de véritable concert en Inde, Bloodywood reçoit une invitation pour le Wacken Open Air en Allemagne. C'est un choc culturel et logistique. Pour des musiciens habitués à la chaleur moite de Delhi et aux studios climatisés, se retrouver propulsés sur l'une des plus grande scène metal du monde est une épreuve du feu.

Cette tournée européenne, baptisée Raj Against The Machine (un jeu de mots brillant sur le colonialisme britannique "Raj" et le groupe californien), est un triomphe inattendu. Ils remplissent 12 salles sur 15. Le public occidental, souvent blasé, est électrisé par cette énergie nouvelle.

Chapitre 3 : Rakshak, l'album de la maturité (2020-2022)

La pandémie de COVID-19 frappe l'Inde de plein fouet, confinant le groupe. Cette période d'isolement est mise à profit pour écrire Rakshak. L'album, sorti en février 2022, est une déclaration de guerre contre les maux de la société. Musicalement, le mélange est affiné : la flûte n'est plus un ornement "exotique" mais une voix mélodique à part entière, remplaçant souvent les solos de guitare.

L'album aborde des thèmes lourds avec une franchise rare en Inde : Dana-Dan attaque la culture du viol avec une virulence inouïe, tandis que Gaddaar critique la manipulation religieuse en politique. Rakshak entre dans les charts Billboard, prouvant que le metal chanté en hindi et punjabi peut s'exporter massivement. Ils deviennent les héros d'une génération d'Indiens qui ne se reconnaissent ni dans le conservatisme traditionnel ni dans l'occidentalisation aveugle.

Chapitre 4 : Nu Delhi, Fearless Records et l'alliance asiatique (2024-2026)

Après avoir farouchement défendu leur indépendance, Bloodywood signe en octobre 2024 avec le label américain Fearless Records, assurant une distribution mondiale pour leur second opus. L'album Nu Delhi, sorti le 21 mars 2025, marque une évolution vers un son plus massif, taillé pour les stades. Le titre est un hommage à la ville qui les a vus naître, ce "chaos vibrant" qu'ils aiment et détestent à la fois.

Cette période est marquée par une alliance stratégique et artistique avec les pionnières du Kawaii Metal japonais, BABYMETAL. Leur collaboration sur le titre Bekhauf et la tournée commune aux États-Unis et en Australie propulsent Bloodywood dans une autre dimension. Ils ne sont plus un "groupe indien", ils sont une des têtes d'affiche du metal mondial. Leurs tournées 2025-2026, incluant des festivals comme Sonic Temple, confirment ce statut.

4. Line-up Actuel

Bloodywood fonctionne sur un modèle hybride : un noyau créatif de trois membres permanents, complété par une section rythmique de tournée indispensable pour reproduire l'énergie du studio.

Membres permanents (Le cerveau, la voix, le verbe)

• Karan Katiyar : Guitare, Flûte, Production, Composition.
  C'est l'architecte sonore. Ancien juriste d'entreprise, il gère le groupe avec une vision stratégique précise. Il est le seul membre à avoir une formation "classique" (autodidacte via internet) et mélange les riffs djent graves avec les mélodies aériennes de la flûte.
• Jayant Bhadula : Chant (Growls et Clair).
  La voix de l'âme indienne. Capable de passer d'un rugissement de death metal à une mélopée traditionnelle en une seconde.
• Raoul Kerr : Rap (Anglais).
  Le poète engagé. Il a rejoint le groupe officiellement en 2019. Ses textes en anglais, débités avec un flow percutant, portent le message politique du groupe à l'international. Végétalien et militant, il incarne la conscience sociale de Bloodywood. Son style rappelle le rap-metal des années 2000 .

Membres de tournée (La force de frappe)

• Sarthak Pahwa : Dhol. Son rôle est central. Le dhol n'est pas un sample chez Bloodywood, c'est un instrument physique qui fait trembler les murs. Sarthak apporte une énergie visuelle et sonore unique.
• Roshan Roy : Basse. Il assure l'assise rythmique, le "groove" indispensable au Nu Metal.
• Vishesh Singh : Batterie. Un batteur technique capable de marier les polyrythmies complexes du metal progressif avec les grooves binaires et ternaires du folklore indien.

5. Anecdotes : Entre vaches sacrées, ouragans et curry

• L'ouragan russe et la fuite éhylique : L'une des anecdotes les plus savoureuses concerne la fin de leur première tournée européenne en 2019. Après le triomphe au Wacken, le groupe s'arrête en Russie pour un jour de repos bien mérité. Ils dévalisent une supérette locale en bière, vodka et... crèmes glacées. Alors qu'ils sont en pleine célébration (et passablement éméchés) dans leur gîte, une femme frappe violemment à la porte : un ouragan arrive et l'inondation menace.
  Le groupe se retrouve à devoir évacuer en urgence, pataugeant dans de l'eau jusqu'à la taille, portant leurs instruments (achetés avec les économies d'une vie) au-dessus de leurs têtes, sous les éclairs et la pluie battante, tout en étant complètement ivres. Une fin de tournée apocalyptique qui a soudé le groupe à jamais.

• "Ari Ari" : Le miracle du casting animalier : Le clip fondateur de Ari Ari est un chef-d'œuvre de l'improvisation indienne (le fameux Jugaad). Sans budget pour louer des animaux, le groupe est descendu dans la rue avec ses instruments. Par un hasard miraculeux (ou le karma), ils sont tombés sur un cheval et un chameau disponibles en plein New Delhi. Jayant a sauté sur le cheval, Karan sur le chameau, et ils ont tourné les scènes iconiques sans aucune autorisation, au milieu de la circulation. Comme le dit Raoul : "La ville s'est animée pour nous aider".

• La Bouse de Vache dans "Gaddaar" : L'Inde ne serait pas l'Inde sans ses vaches sacrées. Dans le clip de Gaddaar, une chanson au ton politique très sérieux, Jayant marche avec détermination vers la caméra pour un plan "badass"... et pose le pied droit dans une bouse de vache fraîche. Loin de couper la scène, le groupe a gardé ce moment ou l'a intégré, illustrant parfaitement la réalité indienne : vous pouvez être une rock star, la vache reste la patronne.

• Le "Metal Tikka Masala" et la cuisine : Bloodywood joue à fond la carte des clichés culinaires pour expliquer sa musique aux Occidentaux. Ils définissent leur son comme du "Metal Tikka Masala" : un mélange riche, épicé, chaotique mais délicieux. Ils ont poussé le concept à son paroxysme avec le single Tadka (2025). Le "tadka" est une technique culinaire consistant à frire des épices dans de l'huile chaude pour en libérer les arômes. La chanson utilise cette métaphore pour décrire leur musique explosive. C'est probablement la première fois dans l'histoire du metal qu'un breakdown est dédié à la cuisson des lentilles.

• Le culte de Linkin Park et les pirates
  Dans leur jeunesse, la popularité de Linkin Park en Inde était telle que même les vendeurs de fruits de rue portaient des casquettes (contrefaites) du groupe. Jayant raconte avoir fabriqué ses propres posters car les officiels étaient introuvables. Ce marché pirate a paradoxalement permis de créer une base de fans immense qui soutient aujourd'hui Bloodywood.

6. Pourquoi on aime ? (Le masala qui rend accro)

• Une énergie "positivement agressive" : Bloodywood a réinventé la colère du metal. Au lieu d'une rage destructrice ou nihiliste, ils proposent une rage constructive. Leurs concerts sont des catharsis collectives où l'on se bat pour un monde meilleur, pas contre les autres. C'est une fête où les moshpits côtoient des mouvements de danse Bhangra.
• L'authenticité de la fusion : Trop souvent, le "Folk Metal" se résume à plaquer un sample de violon sur une guitare électrique. Chez Bloodywood, les instruments indiens ne sont pas des gadgets. Le dhol mène la danse rythmique, dialoguant avec la batterie. La flûte de Karan remplace souvent le rôle de la guitare "lead" pour les mélodies. C'est une conversation musicale organique, pas un collage artificiel.
• L'engagement social courageux : Dans un pays aussi complexe et stratifié que l'Inde, prendre la parole publiquement contre le viol (Dana-Dan), la corruption politique (Gaddaar) ou pour la santé mentale (Jee Veerey) est un acte de bravoure. Le groupe ne se contente pas de chanter ; ils ont par exemple financé 60 séances de thérapie pour leurs fans lors de la sortie de Jee Veerey.
• L'humour et la proximité : Ils savent rire de leurs propres stéréotypes (le service client, les vaches, le yoga, la nourriture épicée) pour désamorcer les préjugés occidentaux. Cette autodérision crée un lien fort avec le public, rendant le groupe accessible et humain.
• La fierté du "Global South" : Pour de nombreux fans issus de pays en développement ou de la diaspora, voir un groupe indien conquérir le Wacken ou collaborer avec Babymetal est une source de fierté immense. Ils incarnent une modernité indienne décomplexée, loin des clichés de Slumdog Millionaire.

7. Pourquoi on peut détester ? (Trop d'épices dans le curry ?)

• Le syndrome "Linkin Park Indien" : Pour ceux qui ont détesté le Nu Metal des années 2000, Bloodywood est un cauchemar. Le rap de Raoul Kerr est souvent le point de friction. Certains critiques le comparent (négativement) à Fred Durst de Limp Bizkit, jugeant son flow daté ou ses paroles en anglais parfois simplistes ("cringe") par rapport à la puissance du chant en hindi.
• La formule répétitive : Une critique récurrente, notamment sur l'album Nu Delhi, concerne la structure des chansons. Le schéma "Riff + Percussions Dhol + Couplet Rap + Refrain Mélodique + Breakdown" est redondant à la longue. Certains trouvent que l'effet de surprise du premier album s'est estompé et que le groupe peine à diversifier son approche.
• L'Aspect "Gimmick" : Pour les sceptiques, Bloodywood reste un groupe "Internet". L'utilisation massive des clichés indiens (vaches, curry, couleurs vives) peut être perçue comme une stratégie marketing pour séduire l'Occident plutôt que comme une démarche artistique pure. Certains puristes indiens leur reprochent même de "vendre" une version stéréotypée de leur culture.

Conclusion

Bloodywood est bien plus qu'un groupe de musique ; c'est un symptôme joyeux de la mondialisation culturelle. Ils ont réussi l'impossible : faire headbanguer des métalleux allemands sur des rythmes de mariage punjabi et faire réfléchir des adolescents américains sur la politique indienne.

En passant des reprises parodiques sur YouTube à la signature chez Fearless Records, Karan, Jayant et Raoul ont prouvé que l'authenticité paye, même (et surtout) quand elle est emballée dans une bonne dose d'autodérision et de distorsion. Alors que leur album Nu Delhi résonne à travers le monde en 2026, Bloodywood nous rappelle que dans le grand buffet de la musique mondiale, il y a toujours de la place pour un plat qui brûle, qui pique, et qui réveille les morts. Comme ils aiment à le dire : "Expect a Riot" (Attendez-vous à une émeute), mais une émeute où tout le monde danse, de préférence avec un verre de lassi à la main.

MainStage 2

Artiste présent en 2026

(Merci à l’excellente interview de François Blanc dans le Rock Hard de Mai 2025 pour avoir servi de source à ce focus)

[Iko]

YAROSTAN

Scène : Valley
Jour : Dimanche

Le groupe

Originaire de Marseille, la bande de Yarostan officie depuis 2016 en France avec leur première démo. Leur musique penche vers des tendances post-hardcore et screamo et est officiellement déroulée dans leur premier album datant de 2019.
Mais le groupe est influencé par bien plus que les deux genres cités. Dès le second album, sobrement intitulé II, les Marseillais (ou plutôt Provençaux) livrent un disque aux ambiances variées, proposant 3 voix, une batterie énervée et des cordes savamment intégrées au tout. Si leurs influences sont diverses, l’album est loin de sonner comme une pâle copie des groupes qui les auraient influencé. Certaines chroniques citent ISIS, Godspeed you! Black Emperor., Birds in Row pour ce second opus.

Le groupe revient en 2025 avec un 3è album, III, résolument moins screamo et prenant un virage plus post-metal que leur précédente discographie, mais avec des mélodies plus denses et moins aérées que leurs précédentes sorties, et ajoutant une 4è voix au projet. Cet opus ne manquera pas de faire penser certains à Cult of Luna.

Les thèmes

Les thèmes sont sombres et mélancoliques, à l’image de la pochette de l’album qui rappelle ce style industriel avec peu d’espoir pour l’espèce humaine, mêlant introspection, urgence, porté par des tendance sludge écrasantes. Les paroles sont souvent défaitistes et où les lueurs d’espoir sont si minces qu’elles ne se lisent qu’entre les lignes, écrites à l’aube des dernières années que l’humanité a vécues. Le groupe ne cache pas l’absence de perspective qu’il imagine pour l’espèce humaine et pose des textes qui vont parfaitement avec la musique qu’ils proposent.

Des années à drainer ces âmes pour bâtir des lieux sans but
Un jour ou l’autre la solitude nous accable
Le fracas d’un monde qui se dérobera sous nos pieds sera bien plus.
(extrait du morceau Cathédrales de poussières).

Les retours sur leurs lives abondent dans le même sens : leur musique prend tout son sens en concert, elle enveloppe et transporte, elle écrase et fait tourbillonner le tout dans une sincérité qui agrippe et vous prend par la bras pour partager leurs émotions sans possibilité d’en échapper.

La discographie

2016 : Les ruines de notre temps
2019 : Yarostan
2022 : II
2025 : III

Pour découvrir

[Darkinflam]

RIVERS OF NIHIL

Toujours sous l’Altar , je voudrais partager avec vous ce focus sur ce remarquable groupe de death technique et progressif.

1)Origine:

Originaire de Pennsylvanie, le groupe se forme en 2009. Le nom se réfère à la fois au nihilisme( ici dans le sens de pessimisme, désenchantement ) et au fleuve des enfers qui dans la mythologie grecque symbolise le passage des âmes vers l’au-delà.

Le groupe se fait remarquer dans la scène death metal technique américaine, aux côtés d’autres projets comme Fallujah.
Au départ groupe de death metal technique pur et brutal, il a évolué vers un aspect toujours technique mais plus progressif , avec l’ajout de voix claires , de saxophone, et de claviers parfois. Ces influences proviennent en grande partie de l’attrait qu’avait le guitariste et principal compositeur pour le prog, le jazz et la musique atmosphérique, ce qui explique l’évolution stylistique.

2)Line-up

•originel :
Rivers of Nihil est créé par le chanteur Jake Dieffenbach , le guitariste Brody Uttley et le bassiste Adam Biggs. A la suite du départ de Dieffenbach (dû à des dissensions et mésententes) et de Jon Topore ( l’autre guitariste) en 2022, le groupe décide que Biggs deviendra le chanteur principal (growl) et recrute Andy Thomas à la guitare (et voix claire). Changement qui apporte une palette plus large côté chant, et un renouveau créatif ( plus ou moins apprécié )

•actuel:
-Brody Uttley : guitare et claviers
-Adam Biggs : basse et chant
-Andy Thomas : guitare, chant
-Jared Klein : batterie

3)Discographie

Après 2 EP, Rivers of Nihil signe chez Metal Blade Records , un célèbre label de metal extrême.
Le groupe entame alors un cycle , une sorte de tétralogie , en apparentant chacun de leur album à une saison .
À noter que les superbes artworks des albums sont tous réalisés par Dan Seagrave , un grand nom des illustrations de pochettes de death metal.

•The Conscious Seed of Light (2013) :

Album de death technique, brutal, qui contient encore peu d’éléments progressifs. Il aborde les thèmes d’émergence , de commencement.

•Monarchy (2015) :

Les touches progressives s’affirment , le chant reste uniquement en growl. Il parle de pouvoir, de domination sociale.

•Where Owls Know My Name (2018) :

Cet album , un de mes préférés , s’aventure encore un peu plus dans le virage progressif, avec introduction du saxophone et apparition de la voix claire, et des passages plus atmosphériques et mélancoliques . On aborde ici le déclin et l’errance existentielle.

•The Work (2021) :

Plus expérimental, plus conceptuel, plus froid aussi, certains disent même des touches indus.
Les textes parlent de dépression , de souffrance psychologique.

•Rivers of Nihil (2025):

C’est l’album de transition après le remaniement de 2022, de reconstruction , bel album aussi , même si certains diront qu’il est trop « abordable », l’harmonie , le côté prog , la mélodie et les voix sont de grande qualité. Moins conceptuel , il traite du flou intérieur après -coup.

Si vous voulez vous faire une idée de l’évolution de leur musique , j’ai essayé de choisir un titre assez représentatif par album (mais allez explorer par vous même car c’est difficile )

Rain Eater (2013)

- YouTube

Monarchy (2015)

- YouTube

The Silent Life (2018)

- YouTube

Clean (2021)

- YouTube

Despair Church (2025)

- YouTube

Et si vous êtes curieux du résultat en live , vous avez leur concert du Summer Breeze rediffusé sur Arte ! Sinon gardez la surprise intacte et on se donne rendez-vous jeudi au HF, en plus on enchaîne avec The Halo Effect , elle est pas belle la vie ?!

Merci de m’avoir lue

[JimmyR]

Merci beaucoup pour ce focus !
Un des concerts que j’attends le plus

[TROC78]

la personne qui joue avec RIVERS OF NIHIL aura mon vote à chaque tour même contre mon poulain